Achtung y'all!... I'm ready for what's next!

Un disco que pateó el tablero a principios de los noventa y nos dio una nueva y tal vez desconcertante faceta de una de las mejores bandas de los últimos años: U2

Achtung Baby! se publicó en noviembre de 1991 trayendo consigo desde la portada una total cambio de concepto sobre la banda irlandesa hacia el melómano promedio. Podemos observar una gran colección de fotos, la gran mayoría color no solo en dicha portada, sino a lo largo del booklet. Muchas de esas fotos presentan a los miembros de la banda en actitudes distendidas y sonrientes. Esto daba al traste con la imagen de U2 en los ochentas de banda austera: fotos escasas y en blanco y negro; rostros serios, pensativos y hasta amargos. Oyendo el disco se puede advertir que dicha nueva actitud no es mas que una ironía.

Achtung Baby! se presenta musicalemente como una revolución, tras la controversia generada por el excesivo sonido americano de su predecesor: Rattle and Hum (1988), los U2 intentan dar vuelta a la página buscando un sonido europeo y para aquello se internaron en los estudios "Hansa" de Berlín. Aquellas sesiones casi acaban con la misma agrupación, pero fueron necesarias para poder procesar el sonido con el que U2 trabajaría en los noventa: el buen pop y el abuso tecnológico.

Sobre la tecnología, hay que decir que para aquellos años, U2 era ya una banda consagrada y considerada del "mainstream", dinero y gente que les quiera ayudar no les faltaban. Así que los irlandeses empezaron a sobrecargar su música con las bondades que se les ofrecían en los estudios: samplers, loops y guitarras particularmente distorsionadas es lo que ofrece Achtung Baby!, sonidos que para quienes son seguidores de U2 desde los ochenta eran extraños y hasta inadmisibles.

Si hablamos de canciones que en ese aspecto rompieron con los esquemas de U2, podemos citar a Zoo Station, Even Better Than The Real Thing, The Fly o Mysterious Ways; canciones que lejos de quedarse en una misma fórmula, intentaron dar un aire rejuvenecido a U2 y buscarle nuevos adeptos. Canciones con ritmos contagiosos (hasta bailables se podrían decir), con poderosas guitarras distorsionadas y con perfecto manejo del ritmo.

Por ahí pueden decir que este es el álbum de "too many love songs", muchas de las canciones del mismo son conmovedoras historias de amor compuestas de una forma desgarradora a veces. Ejemplos: One, Who's Gonna Ride Your Wild Horses?, So Cruel o Love Is Blindness. Son esto también se demostraba que el espíritu sensible de U2 no había muerto.

En cuanto a la temática, este álbum muestra un alma en crisis, historias de amor en las que la duda y el sinsabor son los principales ingredientes, al menso eso se puede advertir en canciones como So Cruel, Love Is Blindness y sobre todo la emblemática One. Aunque también existen algunas esperanzadoras como la dulce Ultraviolet.

Pero Achtung Baby también es controversia lírica, ya que se aborda temáticas como la última cena y la relación de Jesús con Judas de forma implícita en Until The End Of The World, otra controversia religiosa es tratar al Espíritu Santo como femenino en Mysterious Ways y también la crítica hacia el mundo del jet-set y las relaciones humanas en The Fly o Acrobat.

Achtung Baby! es una apuesta atrevida de U2, puesto que, a pesar de una fama y prestigio ya ganados en los ochenta, ellos prefirieron reinverntarse y dar otra feceta de ellos al mundo. Una valiente y acertada decisión que ellos supieron sentenciar en el primer track del disco (Zoo Station): I'm ready for what's next!

Canciones de Achtung Baby!:

• Zoo Station
• Even Better Than The Real Thing
• One
• Until The End Of The World
• Who's Gonna Ride Your Wild Horses?
• So Cruel
• The Fly
• Mysterious Ways
• Tryin' To Threw Your Arms Around The World
• Ultraviolet (Light My Way)
• Acrobat
• Love Is Blindness
  

Los Chemical y los sueños

Uno de los videoclips más grandiosos de la historia es el de Let Forever Be de los Chemical Brothers, que sirvió para promocionar aquel sencillo del álbum Surrender de 1999.

Existen tantos motivos para encontrar maravillosa a la obra de Michel Gondry (director del clip), como ver una propuesta surrealista (los Chemical ni aparecen en este video y de hecho lo hacen muy esporádicamente en los que realizan, no son muy figurettis) en el que la onírica y las coreografías se funden para hacer una combinación fantástica.

Se puede advertir elementos de sueño por ejemplo: la chica protagonista empieza y acaba la historia del clip en la cama, aparentemente se encuentra en un día normal, pero a lo largo del mismo le suceden cosas extrañas (sobretodo por la persecución de aquel baterista), además de las luces intermitentes y un patrón de pruebas de TV en el fondo en el momento de las coreografías. Elementos tan cotidianos como mirarse en el espejo o subir unas escaleras mecánicas se convierten en un divertido juego en el que unos "clones" de la chica en cuestión recrean la escena cotidiana con impresionantes coreografías (seguramente inspiradas en aquel director de los años 20 o 30 cuya especialidad eran los planos cenitales y un efecto caleidoscopio)

Los fundidos entre la cotidianidad de la chica y las coreografías merecen su propio espacio, son realizados con tanta perfección que uno apenas puede percibir que se trata de un cambio de escena. El montaje de las mismas también es excelente, ya que le mantiene en demasiado suspenso al espectador que está pendiente de cual será el próximo disparate que salga en la pantalla. Es lógico e ilógico a la vez.

Este video sin duda responde al mundo de los sueños y lo maravilloso, aparte es una lección de que no siempre se necesita al artista que ha compuesto o que interpreta una canción y que de hecho su ausencia puede tener un mejor resultado.

De vuelta al camino

Una canción bastante mística es lo que presenta La Ley iniciando su álbum Uno (su tercer sencillo promocional si más no me equivoco). En el 2000, La Ley tuvo una propuesta más madura musicalmente, aunque algunos podrían decir que más orientada al comercio.

En todo caso, podemos decir que Eternidad es un poderoso inicio para dicho álbum, la alternabilidad en el tono de voz de Beto Cuevas le da esos matices tensionantes, cosa que también juega con la guitarra que alterna entre la suavidad y la distorsión. La combinación voces-guitarra genera una gran efervesencia en el momento del coro (la fuerza es espeluznante después del soberbio solo de guitarra de Frugone y hacia el final de la canción hace que uno no quiera dejar de oír la misma). Ese escenario alternante es lo que le da magia a esta canción que habla de ciclos.

La base rítmica es bastante sencilla, tomemos en cuenta que La Ley ya no contaba con su bajista de años, Luciano Rojas, sin embargo el sonido del bajo juega un papel crucial, sobretodo en el momento de los coros, la batería marca con precisión los momentos de transición entre los momentos lentos y frenéticos de la canción.

Ahora en cuanto a las letras, esta canción propone tal vez la filosofía ancestral oriental, ya que habla de una eternidad a través de ciclos: giras y giro de vuelta al camino de vidas vividas al pasar. Y tal vez si se asocia la primera estrofa: voy acercándome al final... con la segunda: la inocencia vuelve a mí... hablamos de una especie de muerte y resurección o más bien dicho reencarnación. La explicación de la eternidad de Cuevas toma matices casi divinos: Je suis le vent qui lève le feu et l'eau (soy el viento que eleva el viento y el agua) a parte que como siempre en La Ley viene el guiño intelectual de introducir letras en inglés o francés siendo una banda hispano hablante.

La Ley es un grupo referente dentro del considerado género del "rock latino", destacado por crear una estética y sonidos vanguardistas y tal vez por eso mismo, muchas veces cuestionado.

Do You Wanna Get Rocked?

El grito de guerra de otra gran banda de rock que ha dado la Gran Bretaña al mundo. Def Leppard es para los críticos y demás, etiquetado dentro de lo que se conoce como "heavy glam" (mas claro, heavy para niñas), pero más allá de encasillamientos, hay algo más que decir sobre los "Leps".

Biográficamente, Def Leppard es conocida por ser "la banda más salada del mundo". Su mala suerte incluye la separación del guitarrista Pete Willis por problemas con el alcohol (hermano, si te botan de una banda de rock británica por borracho, ! cómo habrás chupado!); el accidente que provocó la pérdida de un brazo al baterista Rick Allen y la muerte del otro guitarrista original, Steve Clark (un individuo que siempre vivió agobiado por sus demonios por cierto).

Pero lejos de quitar el entusiasmo inicial a los miembros de la banda, ellos supieron a lo largo de su carrera arreglárselas trayendo nuevos integrantes a la banda y sobre todo, soportando la recuperación del baterista Allen y llevarlo hacia un espectacular retorno y darle un plus a la banda que contaba con "el baterista de un solo brazo".

A nivel musical, Def Leppard tiene sus sellos distintivos que lo hacen fácilmente reconocible entre melómanos: los clásicos coros que parecían siempre responderle al cantante Joe Elliot en los momentos de Euforia de sus canciones y los duelos entre las guitarras de Phil Collen y Steve Clark (y luego Vivian Campbell), todo esto sumado a meoldías contagiosas y un gran ritmo llevado por Allen y el bajista Rick Savage.

Def Leppard, es más que una banda de "rock de niñas", es casi casi un ícono ochentero que ejerce gran influencia entre los amantes del pop y el rock. A continuación una listita de recomendadas de los "Leps"

• Photograph


• Follin'


• Rock, Rock (Till You Drop!)


• Me And My Wine


• Hysteria


• Armaggedon It


• Love Bites


• Rocket


• Pour Some Sugar On Me (la típica)


• Let's Get Rocked!


• Let It Go!


• Hello America

Mosh.... una forma de expresión......

".... Te encuentras parado, esperando que comience la canción.... comienza con un ritmo lento y poderoso a la vez.... sabes lo que va a venir!!!... empieza el remate de la batería acompañado de una nota aguda de la guitarra.... se llena tu cuerpo de adrenalina, comienzas a correr.... la canción se acelera y empieza el MOSH!!!!!!...."

El mosh es un tipo de baile caracterizado por su agresividad y fuerza, consiste en correr empujando y golpeando a la gente que se encuentra a tu alrededor, este tipo de baile se lo ve comunmente en los conciertos de Rock, Heavy, Punk, Hardcore, Metal alternativo, etc.
Este es uno de los bailes más desenfrenados, agresivos y fuertes creados; siendo una característica de los show en vivo.

Al igual que el hardcore fue una evolución del punk, el mosh fue una evolución del famoso "pogo" que realizaban los punkeros en la década de los 70, debido a la agresividad que tenía, comenzó a tomar fuerza y a ser el baile insigne del hardcore; y últimamente adoptada por varios tipos de rock alternativo.

Debido a la característica violenta del baile, mucha gente cree que se lo debe vetar o se debe "satanizar" a la gente que lo practica, y a la gente que toca este tipo de música... Aunque hay que tener muy en cuenta que si uno entra a este tipo de bailes debe asumir con todo lo que le pueda pasar (golpes, patadas, heridas, etc).

Para mi simplemente es una forma de exteriorizar esa ira y la angustia que uno tiene adentro, y que mejor en la forma de un baile.... que el momento en que se acaba, simplemente uno acaba relajado y con un gran peso fuera....

Así que a la gente que le guste tanto este tipo de música, como este tipo de baile, que lo disfrute y mantenga viva a la fuerza incontenible del metal....
Esto va dedicado a toda esa gente que disfruta del mosh, el hardcore y el metal en general tanto como yo.....

Mi song list para "Moshear".....

En la escena internacional:

Slipknot - Get This
Pantera - Fucking hostile
Pantera - Suicide Note Pt 2
Comeback kid - Wake the dead
Slayer - Raining blood
Ratos de Porao - Crocodila

En la escena nacional:

Mortal Decision - Baserola Mosh
Descomunal - Preveen tu la muerte
Descomunal - Héroes de Plastilina
Muscaria - Discriminación
Cacería de Lagartos - Cero represión
Tanque - Elektrolux

A continuación una buena canción para "moshear", por parte de Descomunal

Excesos en cambio de década

En la cúspide del éxito comercial y creativo y en un cambio de década (o sea 1990) que

sería decisivo para muchos de los "héroes ochenteros", llega a las tiendas el álbum X de una de las mejores bandas australianas (y del mundo) de pop-rock: INXS.

Y es que a finales de los ochenta, INXS se había en la metrópoli (EE.UU.) con su sonido peculiar y sexualmente provocativo. Las melodías bailables y pegajosas eran (y de hecho siguen siendo) el sello de estos australianos. Sin embargo, el éxito y la madurez cronológica suelen ser decisivas para la discografía de las buenas bandas, en el caso de INXS no fue la excepción y con este álbum iniciaron una serie de evoluciones en su sonido (lastimosamente sin el suceso comercial que hubieran querido en sus discos posteriores).

X ofrece melodías pop bastante dulces, combinadas lógicamente con el fervor sexual de su antecesor: Kick. Tal vez se podría decir que en algunos casos son bastante más cursis. Está como gran ejemplo "Disappear", una oda acaramelada al amor de tu vida, pero con la suficiente ( y yo creo que demasiada) emoción para evitar infundar sentimientos prefabricados, aunque es verdad que tiene los tintes de amor adolescente. Los coros de "Disappear" son particularmente arrulladores y cuadno pasa hacia el fuerte beat de las guitarras y batería, generan un clímax en el oyente.

Pero existen partes en las que X se torna sobrio, las canciones banderas de esto podrían ser "By My Side" y "The Stairs". En el caso de la primera, bien podría servir como música de fondo para un poema de los autores más reconocidos de dicho género. La segunda contiene la clásica sucesión de acordes "épicos" (en cuartas) que junto a la instrumentación más bien pausada, hacen de esta canción, más bien motivadora. En ambas el teclado es el instrumento fundamental.

Pero también está el INXS de siempre, el hit más exitoso de este disco "Suicide Blonde" es himno a las "femme fatale" y por consecuencia lógica está el desborde de erotismo (favorece a esto el timbre casi nasal de Michael Hutchence), así como otra brillante melodía pop como "Bitter Tears" donde una vez más el teclado de Andrew Farriss (el cerebro y compositor de la banda) se luce. Siempre es bueno destacar el trabajo de Andrew, pues la armonía entre guitarras, teclados e instrumentos extra hacen que INXS suene poderosamente pop.

Canciones de "X":

• Suicide Blonde


• Disappear


• The Stairs


• Faith in Each Other


• By My Side


• Lately


• Who Pays The Price


• Know the Difference


• Bitter Tears


• On My Way


• Hear That Sound

Keep Walking

Uno de los videoclips símbolos de mi generación, una de las ideas más geniales y sencillas. Todo aquello corresponde al video de Bittersweet Symphony de The Verve (de la cual a propósito, se rumora reagrupación).

Empieza todo en una vereda y termina en la misma vereda (desconozco de que ciudad, pero muy anglosajona a simple vista) y lo tenemos ahí... a Richard Ashcroft recitando con total desperpajo su sinfonía agridulce mientras camina por aquella vereda con despreocupación por lo que sucede en la misma. En el camino vemos como tropieza con gente varia sin siquiera regresarlos a ver. Eso, seguir una infranqueable línea recta en el camino (mi escena favorita es cuando se trepa en aquel carro que se detiene en su camino)

Este video plantea una propuesta filosófica: seguir con la incorruptible ruta o esquivar algunos obstáculos, dar la cara a las cosas. Enfrentarse a pesar de que lo que esté al frente (como un automóvil!!) sea aparentemente infranqueable. Sin duda una actitud cínica ayudará a superarlo todo, tal vez la gente se mueva del camino extrañada o con una expresión de compasión hacia ti. Ambas funcionan.

Otra cuestión en cambio es la del respeto: hasta donde continuar con tu camino?, que tan necesario es ceder el paso?, es parte de la convivencia?... supongo que si. Para mucha gente es bastante grosero que te le atravieseses en el camino, otros pueden pensar que incitas a una pelea. En fin, el debate es valentía vs. respeto.

Ahora si lo estrictamente audiovisual: sin mayor complicación, es casi un plano secuencia de Ashcroft caminando por esa vereda sin inmutase demasiado, aquel plano secuencia se ve brevemente interrumpido por escasas situaciones en las que Ashcroft no es protagonista (como cuando la chica del carro se baja a putearle). Una idea muy simple pero muy efectiva, de hecho yo creo que son pocas las personas que no puedan seguir con atención este video. La caminata en el mismo tiempo de los arrulladores vientos de la canción y la genial pinta Brit-Pop de Richard (vamos, a quién no le ha parecido genial vestirse así y tener ese corte de cabello?)

Un ícono de quienes tuvimos que lidiar con las hormonas a finales de los noventa. Un excelente video y otra prueba de que siempre las ideas simples triunfarán sobre las fanfarreas y pomposidades. Así mismo es el rock n' roll.